李杰个展“We used to be more sensitive”于2018年9月16日，在东京原美术馆开幕。展出了李杰为原美术馆创作的最新装置作品，展览持续至2018年12月24日。
李杰将“光”，“声”等无形元素与绘画、动态图像和现成物体进行配对，创作出引发冥想的禅意装置亦或“情境”。艺术家将这一形式称为：单一绘画（singular paintings）。通过投影仪的投射光，用高清视频或纸板绘画来替代投影布上原有的纹理。
该组装置曾在位于欧洲S.M.A.K.根特艺术中心举办的首次艺术家个展“A small sound in your head”（2016.5.28-9.4）中展出，同时也曾在位于明尼阿波利斯的沃克艺术中心的“Hold your breath, dance slowly”（2016.5.12-10.9）中展出。在沃克艺术中心展出的作品：《Hey (the lasting care)》(2016)中，记录手脚特写的灰蓝色和白色调镜头被编入循环视频，投影到墙上，视频与投影布之间被一块绘有光滑透明漆的胶合板隔开。在投影的右侧放置着一块地毯，地毯左侧落于投影的右下方底部。除此之外，一张底部刻有“Hey”字样，描画着用手触摸脚的特写小镜头的小纸被贴在了右侧墙面。组成同一件作品的几件物件关系若即若离，产生了自由与流动的观看方式。
Lee Kit, 《Hey (the lasting care)》(2016). Exhibition view: Hold your breath, dance slowly, Walker Art Center, Minneapolis (12 May–9 October 2016). Courtesy of the artist and and Jane Lombard Gallery, NY.
李杰的绘画和投影作品中偶会有简短的文字摘录。在“The more I ignore you, the closer you get”. (2017)展览中，低分辨率的香港海景照片与标题中的文字重叠，立即将简单的场景转换成了具有无限叙事可能性的图像。惯用基调轻柔的作品风格，在李杰于香港中文大学修读艺术学士和硕士的时期就已有所体现。在为第55届威尼斯双年展香港馆创作的装置《You (you)》中，艺术家展示了其对于作品形式的拓展。展馆的地板上铺满了海军蓝的地毯，而一些，例如：躺在地毯上的不插电吹风机，或靠在墙上的真空吸尘器管等的家用物品，将原本单调的白墙空间打破，给观众带来了不一样的空间体验。
Exhibition view: Lee Kit, 《You (you)》, Hong Kong Pavilion, 55th Venice Biennale (1 June–24 November 2013). Courtesy of the artist and Vitamin Creative Space, Guangzhou/Beijing.
李杰作品中的极简主义往往转向自我指涉（self-referentiality），最具有针对性的作品是他的“手绘布”系列（2001年——至今）。早期作品《Sunday Afternoon: Picnic with friends and hand-painted cloth at Yung Shu O, Sai Kung》(2003)，一张拍摄蓝白条纹布被用作野餐毯子的照片。这件作品是在经历了相当长的一段时间内，政府为控制SARS疫情，大力提倡进行隔离防控的时期后创作的。在这样的社会事件背景下，作品中的布便具有了新的意义。2016年，根特S.M.A.K.的个展中展出的作品《hand-painted cloth to clean window》(2008)，由两种元素构成：一个是一张记录着用蓝白条纹布擦窗行为的小照片，和另一个位于右侧，呈现出些许肮脏痕迹的、微皱的布微皱的，微妙地被钉在墙上。这种参与者的某些不明确关系的痕迹的残留，在不经意间推动了作品的生长。
在2018年9月16日至12月24日期间，东京的原美术馆呈现李杰最新个展“We used to be more sensitive.” 这一系列作品旨在让观者感受“时间已经停止了”的感觉。李杰在展览开幕当天讨论了展览及其艺术实践，以下对话由艺术家与原美术馆馆长Atsuo Yasuda的讨论转录而来。
Exhibition view: Lee Kit 'We used to be more sensitive.', Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo (16 September–24 December 2018). Courtesy of the artist and ShugoArts. Photo: Shigeo Muto.
在原美术馆的展览“We used to be more sensitive.”终于开展了，你现在是什么样的感觉？
感觉很新鲜。今天早上11点，我就做完了所有事情。通常艺术家们做完一个展览后，都会去吃顿晚饭或者喝一杯。但这次结束之后，我却仍想留在美术馆里。我很想看看展。
在您第一次参观完美术馆后，我们曾讨论过原美术馆给您带来的灵感。在参观期间，你还曾要求在空间内建造隔断墙。这种想划分空间并且加入人造元素的想法是从何而来的？
我真的很喜欢原美术馆，我认为这是我最喜欢的博物馆了，至少在东京是的。当我亲临现场时，我注意到的第一件事就是窗户和自然光线。整个空间就像一块帆布，我必须得从一些东西开始创作，所以我需要划分空间。我也根据我不喜欢的部分进行了划分，我想把某些角落藏起来，所以我在后面的窗前增设了一个投影屏。它使周围的东西都柔软了下来，并且使人产生了一种确切的感觉，仿佛时间停止了。
Exhibition view: Lee Kit 'We used to be more sensitive.', Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo (16 September–24 December 2018). Courtesy of the artist and ShugoArts. Photo: Shigeo Muto.您观察和理解空间的过程和速度是如何根据时间的推移而发展的？
首先，我把自己的工作地点调整到了东京。每天大约在11点半到达原美术馆，花上6到7个小时工作。然后去超市买晚餐，再回到酒店房间吃饭看Netflix。之后，我会重新开始编写和编辑视频。我工作的时候需要一定的节奏，但我会尽量不告诉自己我正在做一个展览。我们为什么要做展览？这是我质问自己的问题。Yasuda先生见证了这一点。他通常都是待在办公室里的，但有时候他也会来到画廊，而我只是随便看看。
创作展览就和表演一样。我必须与它保持一定的距离。当我在空间中走来走去时，我会让自己尽可能的去接近我想要实现的目标，这使我可以重新筛选我原有想法。
Exhibition view: Lee Kit 'We used to be more sensitive.', Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo (16 September–24 December 2018). Courtesy of the artist and ShugoArts. Photo: Shigeo Muto.您对东京并不陌生，您已经多次在这里展出过，但这是您在该市举办的第一次机构个展。场地也稍有不同，原美术馆更像是住宅，它原本是原家族的故居，同样也是早期现代住宅建筑里的稀有案例。空间的物理性是如何影响你的艺术创作的？
首先，这与灯光有关。这也与我刚才所说的，关于在美术馆空间里走动的内容有关。但这一切都是从我把自己置于这个环境中开始的。我总是用一种非常简单的方法。我从来不用高清视频，因为我没有时间浪费在渲染上。我的创作方式也很符合这里的灯光，它非常柔和。当投影投射到屏幕上时，它们会产生一种，我无法通过绘画或高清视频实现的纹理。
另一方面是这个博物馆中存在的孤独感。我总是把孤独感与东京联系在一起，它有一种既不是积极的，也不是消极的孤独感。原美术馆也有这个感觉，这是一种非常文明的孤独。我只是想把它捕捉为人类的东西。
另外也激发了我对空间的兴趣的是——声学。因为天花板相对较低，当我走来走去，考虑在展览中放入一些声音元素时，我突然发现有回声。我想创造一个不包含任何声音元素的声音。声音也与我所说的距离概念有关。
Exhibition view: Lee Kit 'We used to be more sensitive.', Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo (16 September–24 December 2018). Courtesy of the artist and ShugoArts. Photo: Shigeo Muto.在整个展览期间，我们都可以听到投影仪风扇的声音。您另外还在楼上放了一个风扇，加强风扇的声音。所以，从某种意义上说，你是在刻意的加入声音。
我是没有办法使声音消失的。当我一个人和一个打开的风扇，坐在家里时，这个声音不断提醒着我，我是孤独的。
除了来自你投影的光线，美术馆中的很多灯光都被关掉了。展览的光源主要来源于自然光线，这就意味着它会根据天气和时间而不断变化。 这是一种一次性的体验。
我喜欢用投影中的光线，因为我讨厌聚光灯。这可以追溯到我年轻时在学校不得不在聚光灯下展示作品的经历。我真的很喜欢这样一件事：没有人能看到整个完整的展览，包括我自己。它在不断的变化之中，但不是以一种激烈的方式。我认为如果我自己的艺术实践是与生活息息相关的，那么它必须保持自然。这也是我尽力避免自己去控制的一种方法。
Exhibition view: Lee Kit 'We used to be more sensitive.', Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo (16 September–24 December 2018). Courtesy of the artist and ShugoArts. Photo: Shigeo Muto.
投影偶尔会与绘画搭配，或者类似绘画的形式。在这方面，你在作品中质疑了何为绘画。以前你曾尝试过利用日常物品，在桌布和窗帘上画画的创作形式，这一行为引发了观者关于媒介的思考。这样的思考同样发生在了本次的展览中。
我常常思考这样一个问题：什么是一幅画？当然，我直接也不知道答案是什么，但我认为绘画更多的是实践而不是形式。人们常常对于媒介是死还是活的问题而争论不休，而我认为更重要的是画家的态度和目光。我们现在觉得手机比什么都重要，所以我们才不得不重新学习如何观察某些东西。
文本是您工作中另一个有趣的组成部分。投影和绘画中往往包含简短而模糊的文本摘录，引导观者思考。
在过去的两三年里，文字已经成为我作品的重点。这个展览在没有文本的情况下是端庄美丽的，但它需要一些重量。文字给了我作品一种冲击力。
因为要做展览，我会比往常花比以往更多的时间去旅行，写作和创作故事已经成为我创作和接近自己的方法。有些艺术家做了非常长的视频，并声称如果你不看完，就没法理解作品。我不想通过疏远人来证明自己是一个艺术家。
我也认为一切都只是一个触发器。当我看见一件触动到我的艺术作品时，它之所以可以触动到我，往往是因为它为我提供了一种体验。有了文本意义，就可以一下子转变这种体验。文本只是我们脑中的一种声音。我认为我们不论是在洗澡，还是是在坐公车，亦或是在街上散步时，我们都很容易自言自语。我只是想捕捉到那个触发点。
Exhibition view: Lee Kit 'We used to be more sensitive.', Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo (16 September–24 December 2018). Courtesy of the artist and ShugoArts. Photo: Shigeo Muto.文字的摘录您惯常使用英文。为了表达出它用英语表达的模凌两可之处，标题“We used to be more sensitive.”的日语翻译做了一点点延伸。
这追溯到我们脑中的声音，和我们常常无法准确表达的那些想法。例如，如果我看着观众并且想着“我爱你”，然后大声说出来，他们就会想知道为什么我这样说，即使我是非常真诚的。通过在作品中捕捉这种声音，它成为了介于两者之间的东西，具有了双重甚至三重含义。
Exhibition view: Lee Kit 'We used to be more sensitive.', Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo (16 September–24 December 2018). Courtesy of the artist and ShugoArts. Photo: Shigeo Muto.OCULA CONVERSATION——“Lee Kit in Conversation“ by Atsuo Yasuda
https://ocula.com/magazine/conversations/lee-kit-(1)/
